(Junio 30, 2025) Pichwai, la intrincada forma de arte que ilustra los relatos de Shrinathji, ha permanecido oculta durante mucho tiempo en templos y colecciones privadas. Pero ahora, está cobrando nueva vida a nivel mundial, gracias a Pooja Singhal, filántropa y fundadora de Pichvai: Tradición y más alláSu inagotable pasión por la preservación e innovación de la forma le ha permitido evolucionar y mantener su relevancia para el público contemporáneo. A través de su trabajo, Pichvai ha comenzado a conectar con los amantes del arte de todo el mundo, desde Delhi hasta Singapur. Singhal, quien regresó de Estados Unidos con un MBA, optó por no seguir una trayectoria corporativa convencional. En cambio, centró su atención en el rico patrimonio artesanal de la India. Lanzó RUH, una marca de telares manuales que profundizó su compromiso con los textiles tradicionales y se convirtió en el punto de partida de su viaje hacia el resurgimiento del arte.
Ese viaje alcanza un hito con Feast, Melody and Adornment, una importante exposición en las Mall Galleries de Londres este julio. Con más de 350 obras de arte en exhibición, es la mayor muestra internacional de Pichvai hasta la fecha, llevando la riqueza visual y espiritual de esta tradición sagrada a un público global. También es un momento de orgullo para el arte indio, que continúa encontrando nuevas voces y espacios en el escenario mundial. "Desde 2009, me he dedicado a investigar, preservar y reinventar la forma de arte Pichwai, conectando la artesanía tradicional con el arte contemporáneo y creando nuevas oportunidades para que los artistas de Nathdwara prosperen en el panorama artístico global actual", cuenta. India global.
Pooja Singhal
Presentando a Pichwai: Una infancia inmersa en el arte sacro
Los recuerdos de la infancia no solo se atesoran, sino que también dejan una profunda huella en uno mismo. No fue la excepción para Pooja Singhal, quien creció en Udaipur, rodeada de ricas tradiciones artísticas, gracias en gran parte a su madre, una ávida coleccionista que solía recibir a pintores de Pichwai en su hogar.
De niña, Singhal recuerda acompañar a su madre en sus visitas a Nathdwara, en Rajastán, donde quedó fascinada por las delicadas pinceladas de los pintores Pichwai que trabajaban en silencio en sus estudios. Estas primeras experiencias moldearon su aprecio por la artesanía y la tradición, aunque en aquel entonces no lo comprendiera plenamente. Después de la escuela, cursó un máster en administración de empresas (MBA) en Estados Unidos, lo que amplió su perspectiva sobre los negocios y el diseño. Al regresar a la India, lanzó RUH, una marca de telares manuales que profundizó su compromiso con la artesanía tradicional. «Solo años después, esos recuerdos se convirtieron en la base de mi trabajo para revivir esta hermosa forma de arte sagrado. Me di cuenta del inmenso valor cultural y artístico que corren el riesgo de perderse», explica.
De un proyecto apasionante a un propósito: encontrando su camino hacia Pichwai
Sin embargo, entró en el mundo de Pichwai casi por casualidad. Cuando fundó RUH, empezó a encargar algunas obras por interés personal. «Pronto me di cuenta de que la tradición se estaba desvaneciendo, estaba infravalorada y en peligro. Una exposición en Chennai en 2013 reafirmó mi intuición de que este arte necesitaba ser preservado, replanteado y reintroducido», afirma. Uno de los hitos clave de su carrera fue la reestructuración del modelo tradicional de formación artística en un sistema de taller colaborativo en Tradition & Beyond, que ayudó a revivir la tradición maestro-discípulo y fomentó la innovación. La comisariado de exposiciones a gran escala, la presentación del arte de Pichwai en colaboración con la consolidada Fundación Gujral en un gran bungalow en Lutyen's Delhi (2015) y la presentación de una muestra de 400 obras en los Famous Studios de Bombay (2018) fueron fundamentales para redefinir la presentación de Pichwai para el público contemporáneo.
Otro logro significativo fue formalizar la presencia de Pichwai en el mercado a través de la representación en galerías, alejándose de los canales de venta informales. «Integrar experiencias multisensoriales, como el tradicional Chappan Bhog (un plato sagrado de 56 platos diversos, esencial para el culto a Shrinathji) en las exposiciones, ayudó de forma única a conectar al público con el contexto cultural del arte. Finalmente, el inicio de series experimentales como la Escala de Grises y las reinterpretaciones geométricas ha ampliado el vocabulario artístico de la forma de arte Pichwai, asegurando su evolución y honrando sus raíces sagradas», afirma.
Ver esta publicación en Instagram
Más allá del lienzo: Reconstruyendo el ecosistema Pichwai
En Pichvai Tradition & Beyond, se propuso revivir no solo el lenguaje visual, sino también el ecosistema que lo sustenta. «Reestructuramos el proceso creativo, pasando del antiguo modelo padre-hijo a un sistema de taller donde artistas más jóvenes se forman con maestros y colaboran en cada pieza. Me centré en restaurar materiales originales, como pigmentos minerales molidos a mano y telas tradicionales de algodón y seda, y en reintroducir técnicas olvidadas como el likhai (una delicada técnica de delineado que añade definición y profundidad, dando vida a los detalles intrincados).
Igualmente importante fue replantear la forma en que se percibe el arte. A través de exposiciones a gran escala en Delhi, Bombay, Singapur y en la Feria de Arte de la India, he trabajado para situar a Pichwai firmemente en el debate sobre el arte contemporáneo, conectando la devoción con el diseño, el patrimonio con la modernidad, para asegurar su relevancia para las generaciones futuras», afirma. De hecho, Pichvai Tradition & Beyond fue la primera forma de arte tradicional que se presentó en la Feria de Arte Contemporáneo de la India, una inclusión que dio lugar a la creación de una sección dedicada a las artes tradicionales en la feria desde entonces.
Globalización: un escaparate emblemático de Londres
Ahora está todo listo para su nueva muestra 'Feast, Melody and Adornment' en la Mall Gallerie de Londres del 2 al 5 de julio de 2025, que marca un hito importante en su viaje con el arte de Pichwai. Es la primera vez que presentamos la tradición a un público global a esta escala, con más de 350 obras, y la ubicación, en pleno corazón del distrito artístico de Londres, nos permite conectar con un público completamente nuevo. La exposición es una celebración curada de la riqueza visual y las raíces rituales de esta forma de arte, reinterpretadas para un contexto global contemporáneo. Las obras que presentamos abarcan tanto las obras sagradas originales como las reinterpretaciones contemporáneas, incluyendo nuestra serie Escala de Grises e intervenciones arquitectónicas inspiradas en los jharokhas de Nathdwara. Es profundamente gratificante ver cómo esta tradición, antaño ligada a los templos, encuentra eco en una capital artística internacional. Espero que esta exposición no solo despierte el aprecio por la artesanía de Pichwai, sino que también impulse el diálogo sobre cómo las formas de arte tradicionales pueden evolucionar y mantener su significado en distintas culturas y geografías, afirma.
Ver esta publicación en Instagram
De la preservación al empoderamiento: la visión de un revivalista
Como renovadora, su enfoque siempre ha sido doble: preservar la integridad de la tradición Pichwai y asegurar su relevancia en el mundo actual. «Cuando comencé, muchas de las técnicas se estaban perdiendo, y los artistas que originalmente residían en Chitrakaron Ki Galli, la "Calle de los Pintores" en Nathdwara, se alejaban por falta de reconocimiento y de recursos. Al introducir un modelo de taller en Pichvai Tradition & Beyond, nos alejamos de la tradición insular de gurú-shishya hacia un sistema más colaborativo y sostenible donde los artistas más jóvenes se forman con maestros experimentados», explica.
El impacto, afirma, ha sido profundamente alentador. «Esto no solo revivió habilidades olvidadas, sino que también infundió orgullo, propósito y sentido de comunidad a los artistas. Muchos que habían abandonado el campo han regresado, y hoy ven su trabajo expuesto en importantes instituciones, tanto en la India como a nivel internacional. Es increíblemente gratificante ver cómo crece su confianza al darse cuenta de que no solo están preservando el pasado, sino que también están moldeando activamente el futuro de una forma de arte con resonancia global», añade.
Entre el legado y la innovación: navegando en un ecosistema frágil
Uno de sus mayores desafíos ha sido el delicado ecosistema del arte tradicional en el que se desenvuelve. «La forma de arte con la que trabajo existe desde hace más de 400 años, se ha transmitido de generación en generación y, a lo largo de la historia, se ha patrocinado y comercializado de una forma particular. Introducir esto en el modelo de galería contemporánea, aplicando principios del mundo del arte contemporáneo a una forma que tiene su propio legado, ha requerido una disrupción cuidadosa y una profunda reinvención. Gestionar las sensibilidades de artistas, comerciantes e incluso de quienes organizan ferias de arte ha sido una gran tarea. Si bien existen elementos comunes entre las prácticas artísticas tradicionales y contemporáneas, funcionan de manera muy diferente, y ayudar a las partes interesadas a comprender y aceptar esa distinción es un proceso continuo», afirma.
Otro desafío ha sido adaptarse a nuevas geografías, comprender qué conecta con los diferentes públicos y mecenas en las distintas regiones y cómo mantener este mecenazgo en constante evolución. "Cada vez que llevamos esta forma de arte a un nuevo contexto, surge la pregunta de cómo garantizar que siga siendo relevante, relevante y arraigada, a la vez que abierta a la interpretación, manteniendo su autenticidad", añade. Además, desempeña múltiples funciones en esta iniciativa: encarga las obras, gestiona y mantiene el taller, actúa como galerista y curadora y, en muchos sentidos, también es mecenas. "Cambiar de rol, a veces varias veces al día, puede ser bastante exigente, ya que cada función requiere una mentalidad diferente y un conjunto distinto de responsabilidades para asegurarme de hacer justicia a cada una de ellas. Se trata de crear un ecosistema donde el arte, los artistas y el público puedan evolucionar juntos", afirma.
Arte con propósito: una pasión convertida en legado
Si bien el arte es lo que la inspira y motiva, afirma haber tenido la suerte de convertir una pasión personal en su profesión. «Disfruto muchísimo trabajando a diario en un espacio que me importa tanto. Además, el impacto social de mi trabajo es inmensamente gratificante. Cuando empecé, la comunidad artística había menguado de unas 4,000 o 5,000 personas a apenas 2,000; se estaba desvaneciendo rápidamente. Verla ahora funcionando, prosperando y recuperando su fuerza es una gran motivación. También me conmueve profundamente ver cómo el arte y el patrimonio tradicional indio cruzan fronteras, son apreciados por las generaciones más jóvenes y encuentran nuevos públicos en el extranjero. Es un recordatorio de que estas formas aún conectan con personas de todas las culturas y épocas», afirma.
Ver esta publicación en Instagram
Para Pooja Singhal, el viaje con Pichwai nunca se ha limitado al arte: se trata de identidad, legado y la creación de un espacio para la tradición en un mundo en constante cambio. Al reinventar una forma ancestral con respeto y visión, no solo ha revivido una práctica en decadencia, sino que también ha empoderado a una comunidad de artistas para soñar a lo grande. Con el estreno de Feast, Melody and Adornment en Londres, se abre un nuevo capítulo: una tradición que antes se limitaba a los templos encuentra su lugar en el escenario global, conectando con públicos mucho más allá de sus orígenes.
- Sigue la tradición de Pichvai y más allá en Instagram
TAMBIÉN LEÍDO | Viraj Mithani: el artista contemporáneo que reivindica el arte indio
