(8 de Octubre, 2025) Todo comenzó con una olla de brea hirviendo en su terraza de Delhi, un encuentro casual que cambiaría el curso de la vida de Simran KS Lamba. De ese caos líquido surgió un artista de técnicas mixtas que encuentra poesía en lo industrial y espíritu en lo desechado. Su trayectoria, desde un experimento en una terraza hasta las grandes salas de la India y el extranjero, demuestra que la creación a menudo no surge del diseño, sino de bellos accidentes.
Lamba transforma lo que el mundo desecha: metal oxidado, malla metálica y fragmentos de vidrio, en meditaciones sobre la resistencia y la renovación. Su proceso poco convencional, que le valió una patente del Gobierno de la India por innovación en arte tridimensional, transforma los desechos en maravilla, haciendo que la decadencia brille de vida.
Ahora, mientras se prepara para representar a la India en el XV Bienal de Florencia 2025, una de las celebraciones más prestigiosas del mundo del arte contemporáneo y la sostenibilidad, su visión se expande una vez más a un escenario global. "El arte no debería vivir solo en galerías; debería dialogar con el mundo", dice. India globalEn su mundo, incluso el alquitrán habla, convirtiéndose en un material vivo y palpitante que alberga memoria, tensión y trascendencia. Su arte se centra menos en lo que crea y más en lo que despierta, un recordatorio de que la belleza puede resurgir de la ruina.
Simran KS Lamba
Raíces en el avivamiento
El artista pasó gran parte de su infancia en internados en Nainital y Shimla, antes de regresar a Calcuta, la ciudad que forjó su sensibilidad temprana. Su madre, Mona Lamba, una veterana y pionera diseñadora de moda y renovadora, cofundó el Consejo de Diseño de Moda de la India (FDCI) y dirigió la célebre marca Monapali, fundada en la década de 1980.
“Mi madre ha sido una de las principales renovadoras de su generación”, dice, recordando su papel en la incorporación de los tejidos tradicionales y las técnicas de costura a mano a la moda popular. “Fusionó el rico patrimonio textil de la India con el diseño contemporáneo, y yo crecí rodeado de telas, texturas y formas, un entorno donde se fomentaba la estética cuestionadora”.
Esa atmósfera de curiosidad y artesanía sembró la posterior fascinación de Lamba por los materiales no convencionales y la experimentación táctil, incluso si en ese momento no tenía ni idea de que algún día sería un artista.
Un encuentro casual con Tar
El arte, insiste Lamba, “surgió por casualidad, no por decisión propia, sino por decisión propia”. En 2006, mientras renovaba su casa, se topó por casualidad con una olla de alquitrán hirviendo que usaban para impermeabilizar su terraza. La vista lo cautivó. Recuerda: «Esta olla de alquitrán hirviendo, que cambiaba de forma constantemente, me fascinó profundamente. Por curiosidad, comencé a explorarla, sin darme cuenta de que estaba emprendiendo un viaje para toda la vida».
Lo que comenzó como fascinación pronto se convirtió en devoción. Pasó años experimentando, desde aprender a dominar un medio difícil, denso y volátil hasta soportar quemaduras, fallos de encendido y composiciones fallidas. Pero con el tiempo, desarrolló sus propias técnicas únicas: superposición, texturizado, incrustación y un vocabulario artístico que lo distinguiría.
Afirma: «El alquitrán es impredecible, pero ahí reside su belleza. Mi proceso se basó en la casualidad, la persistencia y la convicción de que incluso el material más áspero puede ser poético».
Juego de cartas | Simran KS Lamba
Génesis y reconocimiento temprano
Tras cuatro años de exploración, Lamba presentó su primera exposición individual, Génesis, en 2010 en la Galería de Artes Visuales del Centro Hábitat de India. La respuesta fue electrizante. Críticos y coleccionistas quedaron cautivados por la alquimia de su proceso y la forma en que convertía los residuos industriales en formas contemplativas.
Explica: «Me llevó años producir ese primer trabajo. Fue la culminación de una experimentación constante, y la validación que recibió me dio el coraje para seguir adelante».
Desde entonces, las obras de Lamba han viajado por la India y también al extranjero, apareciendo en múltiples exposiciones individuales y colectivas, incluida la 61ª Exposición Nacional de Arte (2020) de Lalit Kala Akademi, donde se seleccionó su pieza Gandhi and Industry.
Un artista autodidacta
Lamba se identifica con orgullo como autodidacta, una decisión que ha moldeado su actitud arriesgada y su originalidad. «Ser autodidacta es una de mis mayores fortalezas», reflexiona. «La educación formal no es para todos. Me criaron para cuestionar la estética, así que nunca me sentí obligado a adaptarme a ninguna corriente de pensamiento. Mi arte surge de la curiosidad, la intuición y la libertad de fracasar».
Sus composiciones a menudo desafían la categorización, en parte escultura, en parte pintura, a menudo instalación, abrazando la impermanencia, el accidente y la intuición como colaboradores. Con el tiempo, dice, su práctica ha evolucionado más allá de la forma misma, gravitando hacia lo metafísico: «Ya no me concentro conscientemente en lo que quiero crear. Muchas de mis obras surgen de sueños o imaginaciones vívidas. Mi subconsciente me guía».
En 2023, el Gobierno de la India otorgó a Lamba una patente por su “método único de creación de obras de arte tridimensionales” por un viaje que comenzó más de una década antes.
Simran KS Lamba
“Durante mi primer programa, un espectador me dijo que nunca había visto que se usara el alquitrán de esta manera y me instó a solicitar una patente”, recuerda. “Lo hice en 2011. Tras doce años de revisión, me concedieron la patente”.
El reconocimiento salvaguarda no solo sus técnicas, sino también la integridad de su proceso creativo, tras descubrir que sitios web educativos ofrecían "cursos de arte con alquitrán de hulla" inspirados en su obra sin acreditación. "Se hizo necesario proteger mi contribución intelectual", afirma, "y asegurar que la autenticidad siguiera siendo fundamental en mi trayectoria".
Los materiales como metáforas
En la obra de Lamba, cada material está cargado de significado. Metales desechados, vidrios rotos y restos industriales se convierten en vehículos para la reflexión ambiental y la memoria personal.
Al explicar su proceso, dice: «Mi uso de los residuos es mi forma de revitalizar lo que se desecha. El cobre, por ejemplo, combinado con raíces de adenium, habla de sostenibilidad, una intersección entre la minería industrial y la fragilidad de la naturaleza».
Sus instalaciones a menudo se hacen eco de motivos espirituales: una diosa que emerge del alquitrán y el hierro, simbolizando la omnipresencia de lo divino femenino en cada objeto animado e inanimado.
Para Lamba, la selección de temas es intuitiva. Los temas surgen de la introspección, los sueños y la reflexión subconsciente. «A menudo me encuentro meditando sobre mi papel en este planeta prismático», reflexiona. «Mi subconsciente destila esas reflexiones en formas y texturas. A veces guío el proceso; a veces, él me guía a mí».
Esta dinámica ha dado origen a obras aclamadas como Forest Embers, Gandhi and Industry y Puppeteer, cada una oscilando entre el simbolismo y la abstracción, arraigadas en la poesía táctil de su creación. Su obra no sigue un patrón fijo; algunas pinturas requieren meses de trabajo, mientras que otras requieren años.
Simran KS Lamba
Inspiración e independencia
A pesar de su formación literaria y teatral, Lamba se resiste a la idea de héroes artísticos. «No admiro a ningún artista ni a ninguna escuela de pensamiento», afirma. «Mi único objetivo es expresarme con sinceridad». “Mi inspiración es mi madre: de ella aprendí lo que significa ser un buen ser humano”.
Su formación en literatura inglesa le permitió conocer a escritores como T. S. Eliot y Thomas Hardy, cuyas reflexiones sobre el tiempo y la existencia se conectan con su visión del mundo. Su contacto con la industria de la moda alimentó su amor por las telas, las texturas y las formas, elementos que planea explorar con mayor profundidad en sus futuras obras.
La Bienal de Florencia 2025: Globalizando el alquitrán
En 2025, la obra del artista se exhibirá en la XV Bienal de Florencia, un hito que extiende su diálogo artístico a un escenario global.
Explica: «Mi selección demuestra que lo profundamente personal puede cruzarse con lo público. Crea un espacio de diálogo donde surgen nuevas perspectivas y los artistas intercambian visiones del mundo».
Presentará tres cuadros en Florencia. Existencia de la línea de montaje, una crítica del consumismo moderno, que representa a un protagonista cadavérico colgado en una línea de montaje, rodeado de motivos simbólicos de exceso junto con Compresión de color, nacido de un sueño vívido, visualizando la metamorfosis de los tonos índigo, y Titiritero, una composición minimalista en pastel blanco, que explora el control metafísico y la entrega.
“Espero que la exposición promueva debates sobre los medios no convencionales y su belleza innata”, afirma. “Mi objetivo es mostrar cómo las pinturas pueden ser simbióticas, absorbiendo múltiples materiales para convertirse en algo completamente nuevo”.
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Expandiendo fronteras
De cara al futuro, Lamba visualiza proyectos de arte público impulsados por la comunidad, murales, esculturas e instalaciones provenientes de vertederos, con el objetivo de conectar con el público rural y celebrar narrativas inconformistas. "Quiero formar colectivos con artistas afines", afirma. Sus futuras exploraciones incluyen híbridos de emulsión de alquitrán, esculturas de jardines exteriores e instalaciones con cadenas de bicicleta: cada una de ellas amplía su vocabulario de reinvención. Su arte continúa derribando las fronteras entre el desperdicio y la maravilla, instándonos a ver que incluso en lo que el mundo desecha, reside la posibilidad de la trascendencia.
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